Rell To Rell

SIBELIUS VÀ 7 SYMPHONY CỦA ÔNG

(16:46 | 17/05/2020) Xem: 287
Những thành tựu sáng tạo chính của Sibelius được tập trung trong lĩnh vực nhạc cho dàn nhạc (7 bản giao hưởng, các giao hưởng thơ, suites).

Jean Sibelius là người Thuỵ Điển sinh tại Hämeenlinna, Grand Duchy, Phần Lan, Đế quốc Nga ngày 8 tháng 12 năm 1865 và mất ngày 20 tháng 9 năm 1957 tại Järvenpä, một phần của vùng đô thị Helsinki, Phần Lan. Ông là nhạc sĩ nổi bật nhất của nền âm nhạc Phần Lan. Sự sáng tạo của Sibelius phát triển chủ yếu theo truyền thống của chủ nghĩa lãng mạn Tây Âu, phong cách của một số tác phẩm của ông cũng phản ánh xu hướng của chủ nghĩa ấn tượng. Những thành tựu sáng tạo chính của Sibelius được tập trung trong lĩnh vực nhạc cho dàn nhạc (7 bản giao hưởng, các giao hưởng thơ, suites). Violin concerto, Bản vals buồn (trong phần nhạc cho bi kịch “Cái chết” của Arvid Järnefelt cho dàn nhạc giao hưởng và bản hợp xướng “Quốc ca Phần Lan” cũng được biết đến rộng rãi. Nhiều tác phẩm của Sibelius trực tiếp hoặc khái quát liên quan đến chủ đề quốc gia Phần Lan. Ông là đại diện nổi bật của “thời hoàng kim” của nghệ thuật Phần Lan giai đoạn 1880-1910.

 



Jean Sibelius có cha là Tiến sĩ Christian Gustav Sibelius và mẹ là Maria Charlotte Borg. Anh mất cha sớm, trải qua tuổi thơ với mẹ, anh trai và em gái trong nhà của bà ngoại ở quê. Gia đình Sibelius nói tiếng Thụy Điển và ủng hộ truyền thống văn hóa Thụy Điển. Tuy nhiên, phụ huynh đã gửi Jean đến một trường trung học nói tiếng Phần Lan. Từ 1876 đến 1885, ông học tại Lyceum của Hämeenlinna. Theo truyền thống gia đình, trẻ em được dạy chơi nhạc cụ, Jean - ban đầu chơi piano, nhưng sau thích violin. Mới mười tuổi, Jean đã sáng tác một vở kịch nhỏ. Sau đó, sức hấp dẫn của anh với âm nhạc tăng lên và bắt đầu nghiên cứu âm nhạc một cách có hệ thống dưới sự hướng dẫn của người đứng đầu dàn kèn địa phương là Gustav Lewander. Kiến thức thực tế và lý thuyết thu được đã giúp chàng trai trẻ có thể viết một số tác phẩm nhạc cụ thính phòng.

 

Năm 1885, ông vào khoa luật của Đại học Hoàng gia ở Helsinki, nhưng không bị cuốn hút bởi nghề luật sư, và chẳng bao lâu sau, ông chuyển đến Học viện Âm nhạc, nơi ông trở thành sinh viên xuất sắc nhất của Martin Vegelius. Nhiều tác phẩm đầu tay của ông cho các nhóm nhạc thính phòng đã được sinh viên và giáo viên của Học viện Âm nhạc biểu diễn. Năm 1889, Sibelius nhận được học bổng nhà nước để học sáng tác và lý thuyết âm nhạc với thày Albert Becker ở Berlin. Năm sau, ông học với các thày Karl Goldmark và Robert Fuchs ở Vienna.

 

Khi Sibelius trở về Phần Lan, ông đã ra mắt chính thức với tư cách là nhà soạn nhạc: Ông đã cho biểu diễn giao hưởng thơ Kullervo, Op.7, cho các nghệ sĩ độc tấu, dàn hợp xướng nam và dàn nhạc giao hưởng theo truyền thuyết Kalevala của kho tàng dân gian Phần Lan. Đây là những năm bùng nổ yêu nước chưa từng có của Sibelius và ông ngay lập tức đã được coi là niềm hy vọng âm nhạc của quốc gia Phần Lan. Chẳng bao lâu sau, ông kết hôn với Aino Yarnnefelt, con gái của viên trung tướng và thống đốc nổi tiếng, người đã tham gia vào phong trào quốc gia là August Alexander Yarnefelt.

 

Sau Kullervo là giao hưởng thơ “Chuyện cổ tích” (En Saga), Op.9 (1892); Suite “Karelia”, Op.10 và 11 (1893); “Bài hát mùa xuân”, Op.16 (1894) và Suite “Lemminkissarja” (quả chanh), Op.22 (1895). Năm 1897, Sibelius đã tham gia cuộc thi tuyển giáo viên âm nhạc tại trường đại học, nhưng không thành công. Sau đó, bạn bè đã thuyết phục chính phủ cấp học bổng hàng năm bằng 3.000 Mark Phần Lan cho ông.

 

Hai nhạc sĩ Phần Lan có ảnh hưởng nhất đến tác phẩm đầu tay của Sibelius là Robert Kayanus, nhạc trưởng và người sáng lập Hiệp hội Dàn nhạc Helsinki, và nhà phê bình âm nhạc Karl Flodin, một cố vấn trong lĩnh vực nhạc giao hưởng. Buổi ra mắt của Bản giao hưởng đầu tiên của Sibelius diễn ra tại Helsinki (1899). Trong thể loại này, nhà soạn nhạc đã viết thêm 6 tác phẩm - cuối cùng là Bản giao hưởng No.7 (một phần Fantasia sinfonica), Op.105, lần đầu tiên được công diễn tại Stockholm vào năm 1924. Sibelius đạt được danh tiếng quốc tế là nhờ vào các bản giao hưởng, nhưng cũng nổi tiếng thế giới với bản Violin Concerto và nhiều giao hưởng thơ như “Pojolan tytär” (Con gái của Pohjolan), “Nattlig ritt och soluppgang” (Chuyện cổ tích ban đêm và Mặt Trời mọc), “Tuonelan joutsen” và “Tapiola”.

 

Hầu hết các tác phẩm của Sibelius cho nhà hát kịch (tổng cộng mười sáu) là bằng chứng về khả năng đặc biệt của ông đối với nhạc kịch: Đặc biệt, đây là Giao hưởng thơ Phần Lan (Finlandia) (1899) và The Sad Waltz (Valse triste – Vals buồn) từ nhạc cho cho tác phẩm “Cái chết” của nhà soạn nhạc Arvid Järnefelt – vở kịch được dàn dựng lần đầu tại Helsinki năm 1903. Nhiều bài hát và hợp xướng của Sibelius thường được nghe ở quê nhà, nhưng hầu như không được biết đến ở nước ngoài: rõ ràng, rào cản ngôn ngữ ngăn cản sự lan toả của chúng, và ngoài ra, chúng không có những lợi thế đặc trưng của các bản giao hưởng và giao hưởng thơ của ông. Hàng trăm bản nhạc viết cho piano và violin và một số suite viết cho dàn nhạc cũng thua kém các tác phẩm hay nhất của nhà soạn nhạc.

 

Hoạt động sáng tạo của Sibelius thực sự đã kết thúc vào năm 1926 với giao hưởng thơ Tapiola, Op.112. Trong hơn 30 năm, thế giới âm nhạc đã mong đợi những sáng tác mới từ nhà soạn nhạc - đặc biệt là Bản giao hưởng No.8 của ông, đã được nói đến rất nhiều (buổi ra mắt thậm chí đã được công bố vào năm 1933); Tuy nhiên, sự mong đợi đã không thành hiện thực. Trong những năm này, Sibelius chỉ viết những vở kịch nhỏ, bao gồm nhạc Masonic và những bài hát không làm phong phú hơn di sản của ông. Tuy nhiên, có bằng chứng cho thấy vào năm 1945, nhà soạn nhạc đã hủy một số lượng lớn giấy tờ và bản thảo – có lẽ trong số đó là những tác phẩm muộn không đạt được phương án cuối cùng.

 

Tác phẩm của ông được công nhận chủ yếu ở các nước Anglo – Saxon. Các năm từ 1903 – 1921, ông đến Anh năm lần để biểu diễn các tác phẩm của mình và năm 1914, ông đến Mỹ, nơi, dưới sự chỉ đạo của ông, đã diễn ra buổi ra mắt giao hưởng thơ Oceanis (Aallottaret) như một phần của Liên hoan Âm nhạc Connecticut. Mức độ nổi tiếng của Sibelius ở Anh và Mỹ đã đạt đến đỉnh điểm vào giữa những năm 1930. Các nhà văn lớn của Anh như Rosa Newmarch, Cecil Gray, Ernest Newman và Constant Lambert ngưỡng mộ ông như một nhà soạn nhạc xuất sắc của thời đại ông, một người kế thừa Beethoven xứng đáng. Trong số những người ủng hộ nhiệt tình nhất của Sibelius ở Hoa Kỳ có O. Downs, nhà phê bình âm nhạc cho tờ Thời báo New York và S. Kusevitsky, nhạc trưởng của Dàn nhạc Giao hưởng Boston; vào năm 1935, khi nhạc của Sibelius, được phát trên đài phát thanh bởi Dàn nhạc Philharmonic của New York, người nghe đã chọn nhà soạn nhạc làm nhà soạn nhạc giao hưởng yêu thích của họ.

 

Kể từ những năm 1940, sự quan tâm đến âm nhạc của Sibelius đã giảm đi rõ rệt: Người ta nghi ngờ về sự đổi mới của ông trong lĩnh vực hình thức. Sibelius đã không tạo ra được trường phái riêng, không ảnh hưởng trực tiếp đến các nhà soạn nhạc của thế hệ tiếp theo. Ngày nay, Sibelius thường được đặt ngang hàng với những đại diện của chủ nghĩa lãng mạn thời kỳ cuối như R. Strauss và E. Elgar. Hơn thế, ở Phần Lan, ông có vai trò quan trọng hơn nhiều: nhà soạn nhạc quốc gia vĩ đại, biểu tượng cho sự vĩ đại của đất nước.

 

Trong suốt cuộc đời của mình, Sibelius chỉ được vinh danh với một vài nghệ sĩ. Tuy nhiên, chỉ cần nhắc đến vô số đường phố Sibelius, công viên Sibelius, lễ hội âm nhạc thường niên tại Tuần lễ Sibelius… là thấy ông quan trọng thế nào với đất nước Phần Lan. Năm 1939, trường cũ của nhà soạn nhạc, Học viện âm nhạc, đã được đặt tên là Học viện Sibelius. Sibelius mất ở Järvenpää vào ngày 20 tháng 9 năm 1957.

 



SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.1

 

Bản giao hưởng No.1 Mi thứ, Op.39, của Sibelius được bắt đầu sáng tác năm 1898 và kết thúc vào đầu năm 1899 khi Sibelius 33 tuổi. Tác phẩm được trình diễn lần đầu ngày 26 tháng 4 năm 1899 bởi Dàn nhạc Helsinki Philharmonic, do nhà soạn nhạc chỉ huy. Sau buổi ra mắt, Sibelius đã thực hiện một số sửa đổi, kết quả chính là phiên bản vẫn được biểu diễn ngày nay. Phiên bản sửa đổi được hoàn thành vào mùa xuân và mùa hè năm 1900, và lần đầu tiên được trình diễn tại Berlin bởi Helsinki Philharmonic, do  Robert Kajanus chỉ huy ngày 1 tháng 7 năm 1900.

 

Bản giao hưởng được đặc trưng bởi việc sử dụng các bản độc tấu đàn dây và bộ gỗ; chương đầu mở ra với một đoạn độc tấu clarinet dài và rời rạc. Ý tưởng này trở lại khi bắt đầu chương 4, fortissimo trong nhóm dây, với nhạc đệm bở các hoà âm bởi nhóm gỗ và đồng và các chương tiếp theo bao gồm violin, viola và cello solo. Hầu hết các buổi biểu diễn của tác phẩm này kéo dài từ 35 đến 40 phút. Nhiều nhạc trưởng chọn cách giảm tốc độ được đề xuất bởi các dấu hiệu số liệu của Sibelius, đặc biệt là ở phần nhanh (Allegro Enerico) của chương đầu. Chính vì điều này, nhiều phiên bản của bản giao hưởng dài tới 38 - 40 phút (các nhà xuất bản đề nghị thời lượng 40 phút).

 

Nhạc cụ biểu diễn: 2 flute (cả hai nhân đôi thêm piccolo), 2 oboe, 2 clarinet (chương 1 và 4 trong A, 2 và 3 trong B), 2 bassoon, 4 horn, 3 trumpet, 3 trombone, tuba, timpani, tam giác, trống bass , cymbals, đàn hạc và dàn dây.

 

Các chương: Như hầu hết các giao hưởng, Giao hưởng No.1 của Sibelius có bốn chương:

 

1/ Andante, ma non troppo - Allegro Enerico (trắng chấm dôi = 108) Mi thứ với hình thức sonata cùng Introduction.

 

Chương này bắt đầu với một bản độc tấu clarinet dài nổi tiếng, nêu rõ tất cả các chủ đề và mô típ cơ bản của bản giao hưởng.

 

2/ Andante (ma non troppo lento) (trắng = 54) ở Mi giáng trưởng hình thức ternary, hình thức biến tấu.

 

Tương tự chương hai của Bản giao hưởng số 2 của Sibelius, chương chậm bắt đầu lặng lẽ với những chủ đề bi thảm. Và mở rộng thành một lối đi lớn và giận dữ. Với các chủ đề ban đầu trở lại vào cuối và kết thúc một cách bình tĩnh.

 

3/ Scherzo: Allegro (trắng chấm dôi = 108) Đô trưởng, scherzo và hình thức trio.

 

Tương tự chương ba của Bản giao hưởng số 2, chương nhanh này không nhẹ nhàng nhưng đầy những phản kháng và câu hỏi. Nó kết thúc với stretto và kết thúc không hoàn chỉnh, đề xuất tiếng hú cuối cùng của Final.

 

4/ Finale (Quasi una fantasia): Andante - Allegro molto - Andante assai - Allegro molto come prima - Andante (ma non troppo) Mi thứ và giống như fantasia với phần giới thiệu được phối hợp từ chương đầu.

 

Bản ghi âm đầu tiên Giao hưởng No.1 của Sibelius được thực hiện bởi Robert Kajanus với Dàn nhạc Giao hưởng London cho nhãn hiệu HMV vào tháng 5 năm 1930.

 



SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.2

 

Bản giao hưởng No.2 Re trưởng, Op.43 được Sibelius bắt đầu viết vào mùa đông năm 1901 tại Rapallo, Ý, ngay sau buổi ra mắt thành công bản Finlandia nổi tiếng, và hoàn tất vào năm 1902 tại Phần Lan. Sibelius nói: “Bản giao hưởng thứ hai của tôi là một lời thú nhận của linh hồn”.

 

Nam tước Axel Carpelan, người đã đặt tên cho bản Finlandia nổi tiếng của Sibelius, đã viết cho nhà soạn nhạc ngay sau buổi ra mắt thành công: “Ông đã ngồi nhà khá lâu rồi, ông Sibelius. Giờ là thời gian để Bạn trải qua mùa thu và mùa đông ở Ý, một đất nước mà người ta học hỏi sự cần thiết, cân bằng và hài hòa, dẻo dai và đối xứng của các đường nét, một đất nước mà mọi thứ đều đẹp - thậm chí là cả những thứ xấu xí. Bạn hãy nhớ ý nghĩa của sự phát triển của Tchaikovsky và Richard Strauss”. Mặc dù Nam tước Carpelan không một xu dính túi, anh ta đã huy động đủ tiền để Sibelius ở trong một biệt thự trên núi gần Rapallo, Ý. Tại đây, Sibelius đã ghi lại những nốt đầu tiên cho bản giao hưởng thứ hai của mình.

 

Hơn một năm sau khi những nốt nhạc đầu tiên được chấp bút, bản giao hưởng No.2 đã được Hiệp hội Philharmonic Helsinki công diễn vào ngày 8 tháng 3 năm 1902, do nhà soạn nhạc chỉ huy. Sau ba buổi biểu diễn được bán hết vé, Sibelius đã thực hiện một số sửa đổi; phiên bản sửa đổi đã được Armas Järnefelt chỉ huy lần đầu tiên vào ngày 10 tháng 11 năm 1903 tại Stockholm. Oskar Merikanto đã thốt lên rằng (buổi ra mắt) “vượt quá cả những kỳ vọng cao nhất”.

 

Khi các nhà phê bình chia rẽ sau buổi ra mắt của bản giao hưởng, công chúng ngưỡng mộ tác phẩm này vì phần cuối hoành tráng của nó được kết nối bởi một số người với cuộc đấu tranh giành độc lập của Phần Lan, do đó nó còn được gọi là “Bản giao hưởng độc lập”, vì nó được viết vào thời gian trừng phạt của Nga đối với ngôn ngữ và văn hóa Phần Lan. Phản ứng của Sibelius về điều này đã được tranh luận rộng rãi; Một số người cho rằng ông không có bất kỳ thông điệp yêu nước nào và bản giao hưởng chỉ được người khác xác định là một sáng tác mang tinh thần dân tộc, trong khi những người khác tin rằng ông đã viết tác phẩm với một Phần Lan độc lập trong tâm trí. Nhà soạn nhạc người Phần Lan Sulho Ranta nói: “Có một cái gì đó trong âm nhạc này - ít nhất là đối với chúng tôi - dẫn chúng tôi đến cực lạc, gần giống như một pháp sư với chiếc trống ma thuật của mình”.

 

Bản giao hưởng được gọi là “một trong số ít những bản giao hưởng của thời đại chúng ta cùng hướng với các bản giao hưởng của Beethoven”. Tuy nhiên, Virgil Thomson đã viết trên tờ New York Herald Tribune rằng bản giao hưởng này “thô thiển, tự do và quê kệch vượt xa mọi mô tả”.

 

Bản giao hưởng No.2 của Sibelius được viết cho một dàn nhạc gồm các nhạc cụ tiêu chuẩn: 2 flute, 2 oboe, 2 clarinet, 2 bassoon, 4 horn, 3 trumpet, 3 trombone, tuba, timpani và dàn dây.

 

Bản giao hưởng No.2 có 4 chương:

 

1/ Allegretto - Poco allegro - Tranquillo, ma poco a poco ravvivando il tempo all'allegro - Poco tinyamente - Tempo I - Poco allegro (Rê trưởng)

2/ Tempo andante, ma rubato - Poco allegro - Molto tinyamente - Andante sostenuto - Andante con moto ed Enerico - Allegro - Poco

3/ Vivacissimo - Lento e soave - Tempo primo - Lento e soave - (attacca) (Si giáng trưởng)

4/ Finale: Allegro moderato - Moderato assai - Meno moderato e poco a poco ravvivando il tempo - Tempo I - Largeamente e pesante - Poco tinyamente - Molto tinyamente (Rê trưởng)

 

Thời lượng của Bản giao hưởng No.2 khoảng 45 phút.

 

Chương 1:

 

Gắn với triết lý của mình về nghệ thuật của bản giao hưởng, Sibelius đã viết rằng ông “ngưỡng mộ sự nghiêm khắc của phong cách và logic sâu sắc đã tạo ra một mối liên hệ bên trong giữa tất cả các nốt nhạc” về một mô típ ba nốt nổi lên khi mở đầu tác phẩm, đầu tiên không ổn định sau đó xuất hiện trong nhiều vỏ bọc trong toàn bộ bản giao hưởng (và thực sự tạo thành nền tảng cho hầu hết các nội dung), bao gồm cả việc hình thành chủ đề kịch tính của Chương kết (Final). Nhiều cụm từ được giới thiệu vô hình, mặc dù rất nhiều liên quan tạo ra một hiệu ứng giống như trò chơi ghép hình. Chỉ đến cao trào của chương, toàn bộ chủ đề mới được nghe thấy.

 

Chương 2:

 

Trong biệt thự của mình ở Rapallo, Sibelius đã viết: “Don Juan. Tôi đang ngồi trong bóng tối trong lâu đài của mình thì một người lạ bước vào. Tôi hỏi anh ta có thể là ai hết lần này đến lần khác - nhưng không có câu trả lời. Tôi đã cố gắng làm cho anh ta cười nhưng anh ta vẫn im lặng. Cuối cùng, người lạ bắt đầu hát - sau đó Don Juan biết đó là ai. Đó là cái chết”. Trên cùng một tờ giấy, anh viết chủ đề bassoon cho phần đầu tiên của Chương 2, trong đó có một chuỗi pizzicato “walk bass” (âm bass chậm pizzicato). Hai tháng sau, tại Florence, Sibelius đã phác thảo chủ đề thứ hai, với một ghi chú là “Christus”, có lẽ tượng trưng cho cái chết và sự hồi sinh của Chương, hoặc thậm chí là của đất nước Phần Lan. Các học giả cũng cho rằng Sibelius đã mô hình hóa Chương 2 sau Hài kịch thần thánh của Dante. Tuy nhiên, Robert Kajanus nói rằng chương này “tấn công một trong những cuộc biểu tình đau lòng nhất chống lại tất cả sự bất công đe dọa vào thời điểm hiện tại để tước đi ánh mặt trời và mùi hương của chúng ta”. Chương nhạc lên đến đỉnh điểm. Một chủ đề cao chót vót với bộ đồng, theo sau là một mô típ giống như sương mù phân tán trong bộ dây.

 

Chương 3:

 

Một scherzo tức giận, bồn chồn với những hình ảnh súng máy trong dàn dây. Tiếp theo là trio chậm với phần độc tấu oboe trữ tình kèm theo clarinet và horn. Sau một tiếng kèn, scherzo được chơi lại. Phần của trio trở lại một lần nữa vào cuối Chương khi nó kết nối với Chương cuối. Kajanus nói: “Các scherzo đưa ra một bức tranh về sự chuẩn bị điên cuồng. Mọi người đổ bó rơm của mình lên đống cỏ khô, tất cả các sợi dây đều căng thẳng và mỗi giây dường như kéo dài thành một giờ. Người ta cảm nhận được trio tương phản với động lực của oboe ở Sol trưởng.

 

Final:

 

Không dừng lại, chương cuối cùng mà phần còn lại của bản giao hưởng dường như đang được xây dựng, bắt đầu một cách vẻ vang sau khi cuối cùng, nó trở lại được Rê trưởng với các chủ đề khổng lồ, ồn ào, vương giả và chiến thắng, thường được rút ra từ chương đầu của bản giao hưởng. Rất giống với Bản giao hưởng số 5 của Beethoven, chất liệu chuyển tiếp từ giữa hai chương cuối cùng được đưa trở lại lần thứ hai để chiến thắng của điệu thức chính có thể được thưởng thức một lần nữa. Chương này, lấy cảm hứng từ âm nhạc Lãng mạn, là “Âm nhạc Ý đi về phía Bắc”. Kajanus viết rằng chương cuối “phát triển theo hướng kết thúc chiến thắng nhằm tạo cho người nghe một bức tranh về triển vọng tự tin và nhẹ nhàng hơn cho tương lai”.



 

SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.3

 

Bản giao hưởng No.3 Đô trưởng, Op.52 của Sibelius là một bản giao hưởng ba chương được sáng tác vào năm 1907. Giữa cường độ lãng mạn của 2 bản giao hưởng đầu tiên của Sibelius và sự phức tạp khắc khổ hơn của các bản giao hưởng sau này, No.3 là một bản nhạc đơn giản, khải hoàn. Buổi biểu diễn đầu tiên của bản giao hưởng được đưa ra bởi Hiệp hội Philharmonic Helsinki, do nhà soạn nhạc chỉ huy vào ngày 25 tháng 9 năm 1907. Trong cùng một buổi hòa nhạc, Suite của ông từ âm nhạc ngẫu nhiên đến Belshazzar’s Feast, Op.51, cũng được thực hiện lần đầu tiên. Nó được dành tặng nhà soạn nhạc người Anh Granville Bantock - nhà vô địch đầu tiên trong công việc của mình ở Anh quốc.

 

Bản ghi âm đầu tiên do nhạc trưởng người Phần Lan Robert Kajanus chỉ huy và Dàn nhạc Giao hưởng London là cho nhãn hiệu HMV vào tháng 6 năm 1932.

 

Bản giao hưởng No.3 đại diện cho một bước ngoặt trong việc viết các giao hưởng của Sibelius. Bản giao hưởng thứ nhất và thứ hai của ông là những tác phẩm lãng mạn và yêu nước hoành tráng. Tuy nhiên, bản thứ ba cho thấy một mong muốn khác biệt, gần như Cổ điển để chứa số lượng lớn nhất của chất liệu âm nhạc trong số ít các hình ảnh giai điệu, hòa âm và thời lượng có thể. Điều này thể hiện rõ nhất trong chương đầu gần như gợi nhớ đến Beethoven trong các phần rõ ràng và được phát triển rõ ràng. Một buổi biểu diễn điển hình toàn bộ bản giao hưởng này mất khoảng dưới 30 phút.

 

Tác phẩm được viết cho một dàn nhạc gồm 2 flute, 2 oboe, 2 clarinet (B và A), 2 bassoon, 4 horn (trong F), 2 kèn (trong B ), 3 kèn trombone, timpani và dây.

 

Các chương:

 

1/ Allegro moderato (Đô trưởng)

2/ Andantino con moto, quasi allegretto (Sol♯ thứ)

3/ Moderato - Allegro ma non tanto (Đô trưởng)

 

1/ Allegro Moderato:

 

Bản giao hưởng No.3 mở đầu với giai điệu nhịp nhàng trong các bè cello và double bass, sau đó là bộ đồng và bộ dây. Ba cung Đô-Fa# (Đô-Fa# tritone) đóng một vai trò quan trọng trong cả bản giao hưởng này và bản giao hưởng tiếp theo, được phát biểu rõ ràng và nhấn mạnh ngay từ đầu thanh 15 bằng cách đánh dấu nhấn rinforzando.Một tiết mục độc tấu sáo, gần như dân gian, nhường chỗ cho một tiếng kèn vang lên trên nhóm dây giống như trong lần đầu tiên trong ba cao trào chính trong chương đầu.

 

Sau âm thanh dồn dập này, sự thanh thản nhẹ nhàng mở ra bởi các cello nhớ lại một lần nữa, nhưng lần này theo cách dễ bị tổn thương và sostenuto hơn trong điệu thức Si thứ. Từ thời điểm này, âm nhạc nhẹ nhàng lắng xuống. Sau đó, một loạt các nhạc cụ trong bộ gỗ nhớ lại giai điệu cello thứ hai, liên tục gợi lại mở đầu của chương. Sự căng thẳng tăng lên và cuối cùng bùng nổ thành chủ đề mở đầu, được nhấn mạnh bởi timpani, các violin chơi trên một bản nhạc đệm của các bản hợp xướng bằng bộ đồng và gỗ cùng những pizzicato khác thường nơi các cello. Chủ đề sáo một lần nữa được nhắc lại, và chủ đề cello thứ hai được tuyên bố lại bởi toàn bộ dàn nhạc; được chơi trong phần của bộ dây, timpani và bộ gỗ nhịp nhàng trong khi các bản hợp xướng bằng bộ đồng được duy trì trong suốt phần  này.

 

Âm nhạc một lần nữa vang lên, nhưng lần này, trước khi nó được buông ra hoàn toàn, một bản hợp xướng của flute và trumpet dẫn đến nhiều hồi ức về các chủ đề trong quá khứ, trước khi chương 3 khép lại.

 

2/ Andantino con moto, quasi allegretto

 

Sự mở đầu của chương 2 là một nocturne (Bài hát đêm). Phần đầu tiên gần như thoát khỏi bóng tối tràn ngập, nhưng, trong một cách hạn chế, âm nhạc từ chối làm như vậy.

 

Có bốn lần xuất hiện chủ đề với các tập phát triển cho thấy đó là một loại rondo. Sau phần giới thiệu mở rộng, một khoảnh khắc nhẹ nhàng nhường chỗ cho bộ dây tiếp quản chủ đề với những bình luận từ những cơn gió của bộ gỗ và horn. Âm nhạc được đẩy đến cuối bởi các pizzicato vĩnh cửu của cello và sau đó chương 2 kết thúc trong một số xung của bộ dây, trong đó giai điệu vẫn gần như có thể nhận ra.

 

3/ Moderato

 

Chương cuối cùng thực sự là hai chương được nén lại thành một. Sibelius mô tả nó như là “sự kết tinh của sự hỗn loạn”. Phần mở đầu chứa các mảnh ghép theo chủ đề từ chất liệu trước đó và chất liệu chưa đến. Một scherzo im lặng, căng thẳng phá vỡ một bản hợp xướng (với một ba cung Đô-Fa♯ nổi bật) được lặp đi lặp lại nhiều lần. Coda mang chủ đề kiểu hợp xướng thành những bản mở rộng lớn hơn và lớn hơn nữa, cho đến khi bản giao hưởng kết thúc trong một bản tóm tắt của chủ đề hợp xướng và một loạt các âm hình của bộ dây và bộ gỗ. Các nhịp làm cho tác phẩm dừng lại gần như đột ngột với một âm ba Đô trưởng duy nhất bởi bộ đồng.



 

SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.4

 

Bản giao hưởng No.4 La thứ, Op.63 được Sibelius viết từ năm 1910 đến 1911 và được công diễn lần đầu tại Helsinki vào ngày 3 tháng 4 năm 1911 bởi Hiệp hội Philharmonia, với sự chỉ huy của Sibelius.

 

Bản giao hưởng No.4 được viết cho dàn nhạc gồm 2 flute, 2 oboe, 2 clarinet (B và A), 2 bassoon, 4 horn (F và E), 2 trumpet (F và E), 3 trombone, timpani, glockenspiel hoặc / và chuông ống và dàn dây.

 

Bản giao hưởng No.4 có 4 chương:

 

1/ Tempo molto moderato, quasi adagio (La thứ / khoá biểu không nhất quán)

2/ Allegro molto vivace (Fa trưởng / khoá biểu không nhất quán)

3/ Il tempo largo (khoá biểu không nhất quán / Đô# thứ)

4/ Allegro (La trưởng / khoá biểu không nhất quán kết thúc bằng La thứ).

 

Đối với tác phẩm này, Sibelius đã đảo ngược các vị trí cổ điển truyền thống của các chương thứ hai và thứ ba, đặt chương chậm làm chương 3. Ông cũng bắt đầu tác phẩm bằng một chương chậm thay vì chương mở đầu nhanh như truyền thống (đây là thứ tự giống như nhiều tác phẩm của dàn nhạc baroque). Một màn trình diễn điển hình kéo dài trong khoảng 35 - 40 phút.

 

Quãng ba cung tritone dominates thống trị chất liệu giai điệu và hòa âm của bản nhạc nhưng theo một cách hoàn toàn khác với cách nó thống trị Bản giao hưởng No.3. Nó được đưa ra ngay lập tức trong một cụm âm đen tối bởi các cello, các double bass và các bassoon. Hầu hết các chủ đề của bản giao hưởng liên quan đến tritone; trong chương Final, phần lớn sự căng thẳng của hoà âm phát sinh từ vụ va chạm giữa các điệu thức La thứ và Mi giáng trưởng cách nhau một tritone…

 

Nhiều nhà phê bình đã nghe thấy bằng chứng giao hưởng là về một cuộc đấu tranh hoặc tuyệt vọng. Bản giao hưởng No. 4 đầy rẫy những điềm báo có lẽ là kết quả vô thức của... “cảm giác bầu không khí bùng nổ vào năm 1914 của chiến tranh thế giới thứ nhất”. Sibelius khi đó cũng phải chịu đựng Nỗi kinh hoàng trong cuộc sống cá nhân: “Năm 1908, tại Berlin, ông phải cắt bỏ khối u ung thư cổ họng. Ca phẫu thuật đã thành công, nhưng Sibelius đã sống nhiều năm trong nỗi sợ hãi liên tục về khối u tái phát và từ năm 1908 đến 1913, cái bóng của cái chết đã nằm trên cuộc đời ông”.

 

Theo nhà viết tiểu sử Sibelius Erik W. Tawaststjerna, Giao hưởng No.4 phản ánh kỷ nguyên phân tâm học và nội tâm khi Sigmund Freud và Henri Bergson nhấn mạnh ý nghĩa của vô thức và ông gọi Bản giao hưởng No.4 là “một trong những nội dung đáng chú ý nhất của thời đại”. Ngay cả chính Sibelius cũng gọi sáng tác của mình là “bản giao hưởng tâm lý”. Anh trai của ông, bác sĩ tâm thần Christian Sibelius, là một trong những học giả đầu tiên thảo luận về phân tâm học ở Phần Lan.

 

Trong năm trước khi bắt đầu bản giao hưởng, Sibelius đã gặp nhiều người cùng thời ở Trung Âu, bao gồm Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky, và những người khác; cuộc gặp gỡ với âm nhạc của họ đã gây ra một cuộc khủng hoảng trong cuộc đời sáng tác của chính ông. Ông nói trong một lá thư cho bạn mình (và người viết tiểu sử) Rosa Newmarch về bản giao hưởng: “Nó là một cuộc biểu tình chống lại âm nhạc ngày nay. Nó hoàn toàn không có gì trong rạp xiếc về nó”. Sau đó, khi được hỏi về bản giao hưởng, ông đã trích dẫn August Strindberg: “Det är synd om människorna” (Người ta cảm thấy thương hại cho con người).

 

Bản giao hưởng có một biệt danh ngắn gọn, “Lucus a non lucendo” – (Khu rừng không toả sáng).



 

SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.5

 

Bản giao hưởng No.5 Mi giáng trưởng, Op.82 được Sibelius viết là một bản giao hưởng ba chương. Sibelius được chính phủ Phần Lan giao nhiệm vụ viết bản giao hưởng để vinh danh sinh nhật lần thứ 50 của ông. Ngày 8 tháng 12 năm 1915 được tuyên bố là một ngày lễ quốc gia của Phần Lan. Bản giao hưởng ban đầu được sáng tác vào năm 1915; sau đó, nó đã được sửa đổi vào năm 1916 và 1919. Sibelius đã viết về bản giao hưởng trong nhật ký của mình như sau: “Cứ như thể Chúa toàn năng đã ném xuống những mảnh khảm trên trời và yêu cầu tôi tìm hiểu hình mẫu ban đầu là gì”.

 

Phiên bản gốc của tác phẩm được trình diễn bởi Dàn nhạc Helsinki Philharmonic do Sibelius chỉ huy vào sinh nhật thứ 50 của ông. Phiên bản thứ hai, chỉ một phần trong số đó còn tồn tại, được trình diễn lần đầu tiên bởi Dàn nhạc Turun Soitannollinen Seura ở Turku đúng một năm sau đó. Phiên bản cuối cùng, là phiên bản thường được trình diễn nhất hiện nay, được trình diễn lại bởi Helsinki Philharmonic do Sibelius chỉ huy vào ngày 24 tháng 11 năm 1919.

 

Phiên bản đầu tiên của bản giao hưởng giữ nhiều phong cách cho dàn nhạc quen thuộc của Sibelius nhưng cũng cho thấy một số điểm tương đồng với Bản giao hưởng No.4 hiện đại hơn. Phiên bản năm 1919 có vẻ đơn giản, hoành tráng và cổ điển hơn, đồng thời cũng xóa đi một số lạc đề và “đồ trang trí”. Sibelius nhận xét về bản sửa đổi của mình: “Tôi muốn mang đến cho bản giao hưởng của mình một hình thức khác - giống người hơn - thực tế hơn, sống động hơn”.

 

Những năm 1910 là một thập kỷ thay đổi với hình thức giao hưởng, mà sau đó đã tồn tại hơn một thế kỷ. Trong khi đó, các tác phẩm bước ngoặt khác nhau trong các thể loại khác đã trình bày những phát triển căn bản hơn nữa. Năm 1909, Arnold Schoenberg đã thúc đẩy ngày càng nhiều bản hòa âm bất đồng và đầy màu sắc trong Five Pieces (Năm bản nhạc) cho Dàn nhạc, Op.16. Từ năm 1910 - 1913, Igor Stravinsky đã trình diễn những vở ba lê sáng tạo và mang tính cách mạng của mình The Firebird, Petrushka và The Rite of Spring. Maurice Ravel và Claude Debussy đang phát triển và biểu diễn âm nhạc ấn tượng của họ. Mặc dù ông đã được chú ý trong gần hai mươi năm, nhưng lần đầu tiên Sibelius nhận thấy những tác phẩm của ông nhận được những đánh giá kém với buổi ra mắt năm 1911 của Bản giao hưởng No.4 và, như James Hepokoski đã viết, “Sibelius đã bắt đầu cảm nhận được nhật thực của chính mình như một người theo chủ nghĩa hiện đại đầy tranh cãi”.

 

Những sự kiện này có thể đã đưa Sibelius đến một điểm khủng hoảng, buộc ông phải lựa chọn giữa việc thay đổi phong cách của mình để phù hợp với những thay đổi triệt để về âm điệu và ngôn ngữ nhịp điệu phổ biến ở các nhà soạn nhạc trẻ vào khoảng năm 1910, hoặc tiếp tục phát triển ngôn ngữ âm nhạc mà ông cảm thấy quen thuộc. Nhạc trưởng người Phần Lan và chuyên gia về Sibelius Hannu Lintu, khi thảo luận về Bản giao hưởng No.5 trên truyền hình năm 2018, nói rằng Sibelius dường như đã đưa ra một lựa chọn chắc chắn, một hoặc hai năm sau bản giao hưởng trước đó, để ở trong khung của ngôn ngữ hòa âm muộn - chủ nghĩa lãng mạn thế kỷ 19; thay vào đó, ông sẽ đổi mới trong các lĩnh vực cấu trúc vĩ mô và màu sắc của nhạc cụ.

 

Bản giao hưởng No.5 được viết cho 2 flute, 2 oboe, 2 clarinet, 2 bassoon, 4 horn, 3 trumpet, 3 trombone, timpani và dàn dây.

 

Bản giao hưởng No.5 không bình thường trong cấu trúc của nó:

 

1/ Tempo molto moderato - Allegro moderato (ma poco a poco stretto) - Vivace molto - Presto - Più uyo (Mi giáng trưởng)

 

2/ Andante mosso, quasi allegretto - Poco a poco stretto - Tranquillo - Poco a poco stretto - Ritenuto al tempo I (Sol trưởng)

 

3/ Allegro molto - Misterioso - Un pochettino tinyamente - Largeamente assai - Un pochettino stretto (Mi giáng trưởng).

 

Trong các bản giao hưởng nhiều chương của Sibelius, đây là bản duy nhất mà tất cả các chương đều mang điệu trưởng.

 

Hình thức của bản giao hưởng đối xứng với nhịp độ: Chương đầu bắt đầu chậm nhưng kết thúc bằng scherzo nhanh. Chương 2 không chậm cũng không nhanh; nó tạo thành một intermezzo “bình tĩnh”. Sau đó, chương 3 bắt đầu nhanh nhưng kết thúc chậm. Thời lượng của bản giao hưởng No.5 khoảng 32 phút.

 

Chương 1:

 

Ban đầu, Sibelius dự định đây là 2 chương riêng biệt, nhưng đã liên kết phần giới thiệu chậm hơn với phần “scherzo” nhanh hơn, giống như waltz để tạo ra một hình thức duy nhất. Chương này mở đầu bằng một “tiếng còi”, chứa nhiều chất liệu âm nhạc của tác phẩm.

 

Mặc dù được viết dưới hình thức sonata, chương đầu có thể được phân tích cấu trúc theo nhiều cách khác nhau. Các học giả Cecil Grey (1935), Gerald Abraham (1947), Simon Parmet (1955), Robert Layton (1965) và Hepokoski (1993) - có những bất đồng và ý tưởng cá nhân về sự phân chia chính thức của chương. Họ tranh luận về những điểm như sự phân tách của nó thành 2 chương, làm thế nào để mô tả chức năng của Scherzo và Trio, và vị trí chính xác của sự bắt đầu của sự tái cấu trúc và coda.

 

Gray, nhà âm nhạc học đầu tiên viết về cấu trúc của tác phẩm, không đề cập đến hình thức sonata, nhưng đề cập đến sự tồn tại của hai chủ đề khác nhau, dường như ngụ ý rằng chương này ở hình thức sonata. Abraham là một trong những người đầu tiên phân tích tác phẩm dưới hình thức sonata và rõ ràng đặt ra nơi ông tin rằng mỗi phần bắt đầu và tại sao. Ông cho thấy, tác phẩm mở đầu bằng một giải trình kép, mỗi nội dung có nhóm A và B riêng biệt, sau đó chuyển sang phát triển nội dung này. Ông giải thích phần giai điệu rõ rệt bắt đầu từ Allegro moderato như một Scherzo và Trio được sử dụng như là một thay thế cho nửa sau của sự phát triển. Layton không đồng ý với Abraham và coi Scherzo là khởi đầu của sự tái cấu trúc.

 

Hầu hết các nhà âm nhạc đồng ý với phân tích này cho đến khi văn bản “Sibelius: Symphony No.5” của Hepokoski năm 1993 đưa ra một cách giải thích hoàn toàn khác. Ông lập luận rằng tác phẩm chỉ có thể được phân tích theo nghĩa mà ông gọi là “dạng quay”. Ông duy trì các phần phân chia giống nhau của chương - giải trình kép, Scherzo và tóm tắt - nhưng sử dụng từ vựng mới để phân tích. Hepokoski lập luận rằng Sibelius cho phép nội dung xác định hình thức trong nhiều tác phẩm của mình, phát triển bởi sự cần thiết của âm nhạc chứ không phải theo khuôn mẫu của thế kỷ 18 hoặc 19; trong Bản giao hưởng No.5, một vòng quay hoặc nét đi qua các phần của chất liệu, tiếp tục phát triển nó với mỗi vòng quay. Thông qua phân tích này, Hepokoski duy trì vị trí chung của những thay đổi từng phần được mô tả bởi các nhà âm nhạc học trước đó và đồng ý rằng chương này có thể được phân tích đại khái ở hình thức sonata.

 

Sự kết hợp của các chương:

 

Điểm phân tích đầu tiên mà các nhà âm nhạc học đã không đồng ý là làm thế nào để đối mặt với sự tách biệt rõ ràng của chương đầu thành hai phần. Trên thực tế, trong hai phiên bản đầu của tác phẩm, Sibelius đã chia bản giao hưởng của mình thành bốn chương với phần Allegro moderato của phần hiện là chương đầu được tách ra để tạo thành một chương Scherzo. Trong phiên bản cuối cùng năm 1919, nhân vật thay đổi vào thời điểm này với những gì Gray mô tả là “sự khác biệt bề ngoài và sự độc lập của nhau”. Các nhà âm nhạc học trước đó như Parme đã phân tích chương thành hai phần riêng biệt trong khi Gray nhấn mạnh sự riêng biệt của các phần này trong khi thừa nhận sự cùng tồn tại của chúng trong một chương.

 

Nhiều nhà nghiên cứu âm nhạc gần đây không đồng ý với sự tách biệt thành hai chương với lý do cả hai phần đều dựa trên cùng một chất liệu và kết hợp cho phép phân tích dưới hình thức sonata. Abraham đã trích dẫn như tiền lệ hợp nhất các phần này trong Bản giao hưởng No.2 và Bản giao hưởng No.3 của Sibelius, trong đó các chương Scherzo và Finale được kết hợp thành một. Sự hợp nhất được phản ánh trong bản nhạc là tốt. Mặc dù có sự thay đổi về nhịp điệu ở nhịp114, nhịp độ và cách chia nhịp của nhịp không thay đổi: bốn nhịp ¾ Allegro moderato tương ứng với một nhịp của phần trước. Gia tốc dần dần, bắt đầu từ cuối (cao trào) của Tempo molto moderato mở đầu và dẫn đến Allegro moderato Scherzo, tiếp tục không bị gián đoạn đến cuối chương. Thật vậy, khi không có bản nhạc, người nghe rất khó xác định chính xác nơi Scherzo bắt đầu. Quan trọng nhất, việc sử dụng rõ ràng và phát triển cùng một loại chất liệu cho thấy đây thực sự là một chương. Trên thực tế, bản thân Sibelius rất có thể đã nghĩ đó là một chương khi ông xuất bản và thực hiện chương đầu của phiên bản 1919 cuối cùng của mình mà không nghỉ.

 

Giải trình đôi

 

Điểm thứ hai mà các nhà âm nhạc học đã tranh cãi về chương đầu là sự tồn tại của hai cuộc giải trình. Bản giao hưởng bắt đầu bằng những tiếng gọi nhẹ nhàng trong những horn, horn đầu tiên chơi thứ trở thành chất liệu chính của nhóm A trong khi những horn khác chơi những nốt dài bên dưới. Âm nhạc có đặc tính nhịp điệu riêng của nó (“dài-ngắn-ngắn-dài”) và tập trung vào khoảng của phần thứ tư hoàn hảo. Chủ đề đầu tiên này tiếp tục trong tiếng trumpet và tiếng bass trong khi âm nhạc ngày càng được phát triển bởi các kèn gỗ chơi các nốt mười sáu trong chương 3 song song cho đến khi chủ đề hai được trình bày và cuối cùng tiếp tục ở nhịp 9. Cần phải đồng ý rằng nhóm B bắt đầu từ nhịp 18. Tại thời điểm này, một chủ đề thứ ba được nghe thấy trong bộ gỗ giống như chủ đề đầu tiên cũng được xây dựng trên phần tư hoàn hảo nhưng lần này là với nhịp xác định “ngắn-dài-ngắn” - với nhạc đệm tremolo trong bộ dây. Ở nhịp 28, chủ đề thứ tư vẫn đi vào Sol trưởng và được phân biệt bằng cách phân chia nhịp đôi (bằng nhau) của nhịp trong bộ horn và bộ gỗ như một tiến trình hợp âm giống hợp xướng. Giải trình bày này kết thúc với sự trở lại của chủ đề thứ ba.

 

Hepokoski chỉ ra rằng, người ta mong đợi sự kết thúc của một cuộc giải trình sẽ đi kèm với một nhịp rõ ràng trong khóa biểu mới, trong trường hợp này là Sol trưởng. Nhưng khi chủ đề thứ ba mất dần, nó được thay thế trong nhịp 36 bằng chủ đề đầu tiên của nhóm A, ở đây vẫn là Sol trưởng. Mặc dù phần tiếp theo này tiến hành một khóa bất ngờ - Sol trưởng sau đó đổi lại thành Mi giáng trưởng trong nhịp 41 – Abraham và Layton đều coi đó là một giải trình thứ hai hoặc “phản biện”, như lặp lại của giải trình của thế kỷ 18. Họ tham khảo sự tái hiện của gần như toàn bộ cả hai nhóm A và B, mặc dù ở đây chúng được sử dụng để nhấn mạnh âm chủ.

 

Scherzo

 

Tại Allegro moderato ở nhịp 114, âm nhạc thay đổi khi nửa sau của chương bắt đầu theo phong cách Scherzo. Mặc dù tất cả các nhà âm nhạc học nói về phần tiếp theo này với tư cách là một Scherzo, Abraham và Preston Stedman cũng phân tích nó như là sự tiếp nối của sự phát triển. Điều này đã tạo ra một điểm khác mà các nhà âm nhạc học đã không đồng ý với phân tích cấu trúc. Chủ đề giai điệu mới bao trùm nửa đầu của Scherzo được phát triển từ tài liệu chủ đề thứ hai của nhóm A nhưng dựa trên tài liệu từ chủ đề đầu tiên. Những ghi chú này đóng vai điểm đón cho chủ đề mới. Điệu thức trở về Mi giáng trưởng ở nhịp 158 (chữ B) trong khi Scherzo tiếp tục phát triển cùng chất liệu.

 

Giống như bất kỳ Scherzo truyền thống nào, Abraham giải thích rằng điều này cũng có phần Trio bắt đầu ở nhịp 218 (chữ D). Điều này bắt đầu trong Mi giáng trưởng với giai điệu trumpet rõ ràng mới và đặc biệt (timpani củng cố nhịp điệu), mặc dù nhanh chóng thay đổi thành Si trưởng (bassoon và horn). Phần này được đặc trưng bởi chất liệu giai điệu mới này, phát triển những gì đã nghe trước đó và cũng liên quan chặt chẽ đến chất liệu từ nhóm A. Phần này cũng có thể được coi là phát triển vì giai điệu này được truyền qua dàn nhạc một cách gần như tuyệt đối. Các nhà âm nhạc học khác đã phân tích các phần Scherzo và Trio rất khác nhau.

 

Coda

 

Cuối cùng, cuộc tranh luận gay gắt một lần nữa xoay quanh sự khởi đầu của coda: liệu nó bắt đầu ở nhịp 507 tốc độ Presto hay nhịp 555 tốc độ Più Presto như được phân tích bởi Abraham và Hepokoski. Một điểm bắt đầu hợp lý không kém là nhịp 497 (6 gạch nhịp trước chữ Q) ở cuối tuyên bố cuối cùng của chủ đề nhóm B nhịp đôi hợp âm (bắt đầu ở nhịp 487, chữ P) với trombone được cách ly fff (siêu mạnh) của nó tuyên bố về bốn nốt tăng đầu tiên của nhóm A và bắt đầu pedal (bàn đạp) Mi giáng tiếp tục đến cuối chương. Toàn bộ phần kết thúc này chạy đua bằng arpeggios cho phần kết luận, do đó gây khó khăn cho việc xác định chính xác vị trí bắt đầu của coda.

 

Chương 2:

 

Chương yên tĩnh này là một tập hợp các biến tấu về một chủ đề của flute được dàn dây tiếp tục, chơi pizzicato với bộ gỗ ríu rít tạo cảm giác vui vẻ.

 

Chương 3:

 

Chương 3 bắt đầu với một giai điệu nhanh trong dàn dây, chơi tremolando. Sau đó, một mô-típ ba lần “lắc lư” bắt đầu bằng horn, được cho là lấy cảm hứng từ âm thanh của tiếng gọi của thiên nga, cũng như một ví dụ cụ thể khi nhà soạn nhạc chứng kiến ​​mười sáu con trong số chúng bay cùng một lúc. Donald Tovey đã so sánh chủ đề này với Thor vung cây búa của mình.

 

Về điều này, Sibelius cho sáo và dây chơi một trong những giai điệu nổi tiếng nhất của mình. Cả điều này và mô-típ được phát triển, cho đến trong phần cuối cùng, mô-đun trở lại hoành tráng trong điệu thức chủ. Bản giao hưởng kết thúc với một trong những ý tưởng nguyên bản nhất của Sibelius (và một ý tưởng không có trong phiên bản gốc): sáu hợp âm so le của nhịp cuối cùng, mỗi âm được tách ra bằng những dấu lặng.



 

SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.6

 

Bản giao hưởng No.6 Rê thứ, Op.104 được Jean Sibelius hoàn thành vào năm 1923. Mặc dù bản nhạc không có thuộc tính quan trọng, bản giao hưởng thường được mô tả là thuộc về Rê thứ; thực tế phần lớn nằm trong chế độ Dorian (hiện đại). Một màn trình diễn điển hình kéo dài khoảng 25 phút. Nhà soạn nhạc gọi tác phẩm là “dòng nước suối lạnh” đối lập với “nhiều cocktail” đương đại liên quan đến những cử chỉ hiện đại trong âm nhạc sau thế chiến thứ nhất. Bản giao hưởng được trình diễn bởi Dàn nhạc Helsinki Philharmonic, do nhà soạn nhạc chỉ huy vào ngày 19 tháng 2 năm 1923 và có những buổi biểu diễn khác dưới sự chỉ đạo của ông trong những tháng tiếp theo.

 

Âm nhạc

 

Ba bản giao hưởng cuối cùng của Sibelius từ bỏ sự phát triển truyền thống và là một vấn đề của sự thôi thúc cảm xúc có cấu trúc; theo lời của một cuốn nhật ký năm 1912 của Sibelius thì, “tôi có ý định để cho những suy nghĩ âm nhạc và sự phát triển của chúng quyết định hình thức của chính chúng trong tâm hồn tôi”. Điều này đã được lặp lại trong cuộc phỏng vấn ông của Svenska Dagbladet sau buổi biểu diễn thứ sáu tại Stockholm vào tháng 3 năm 1923: “Tôi không nghĩ bản giao hưởng chỉ là số lượng ô nhịp, mà là một biểu hiện của một tín ngưỡng tâm linh, một giai đoạn trong cuộc sống nội tâm của một người”. Vào năm 1923, những ý tưởng âm nhạc được tích hợp vào nó đã được phát triển trong những cuốn sổ tay của ông từ năm 1914 trở đi, cùng lúc với việc ông cũng đang làm việc với Bản giao hưởng No.5 của mình; đến năm 1918, nó đã có hình thức rõ ràng hơn, khi ông cũng đang làm việc vào những ngày thứ bảy. Đến tháng 1 năm 1923, cuốn nhật ký của ông ghi lại sự hoàn thành cuối cùng của ba phong trào đầu tiên của Bản giao hưởng No.6. Ông đã cho ra mắt nó vào ngày 19 tháng 2 năm đó.

 

Tác phẩm được viết cho 2 flute, 2 oboe, 2 clarinet, clarinet bass, 2 bassoon, 4 horn, 3 trumpet, 3 trombone, hạc, timpani và dàn dây.

 

Nó có bốn chương:

 

1/ Allegro molto moderato (Dorian mode trên Rê)

2/ Allegretto moderato (Dorian mode trên Sol)

3/ Vocoace (Dorian mode trên Rê)

4/ Allegro molto (Dorian mode trên Rê, kết thúc ở Aeolian mode trên Rê).

 

Bản giao hưởng được đề tặng “người bảo vệ” âm nhạc Thụy Điển của ông, nhà soạn nhạc và nhạc trưởng Wilhelm Stenhammar. Sau buổi biểu diễn đầu tiên, nó đã được mô tả trên báo chí là một bài thơ trong khuôn khổ của một bản giao hưởng. Chính Sibelius đã từng nhận xét rằng nó “luôn làm tôi nhớ đến mùi hương của những bông tuyết đầu tiên”. Xét về chủ nghĩa thần bí tự nhiên hiện diện trong các tác phẩm của thời kỳ cuối của Sibelius, một nhà bình luận nhận thấy chương kết gợi ý cho một loại nguyên mẫu nguyên tố: một chu kỳ tự nhiên tăng lên đến đỉnh điểm... sau đó, có lẽ đang dần tuyệt chủng, của một ngày, một mùa, một năm hoặc cuộc sống của một người.

 

Vì những phẩm chất thầm lặng và sự không chắc chắn của thuộc tính quan trọng của nó, Bản giao hưởng No.6 đã được mô tả như là Cô bé Lọ Lem trong bảy bản giao hưởng của Sibelius. Nhưng giống như người chị tội nghiệp, phẩm chất không khoan nhượng của nó phát triển trong người nghe. Như họ đã làm, ví dụ, đối với Benjamin Britten, chuyển đổi anh ta từ một bản sửa lỗi trên các nhà soạn nhạc tiên phong, người đã ảnh hưởng đến anh ta khi còn trẻ. Người ta cũng đã tuyên bố rằng một trong những người có ảnh hưởng đến bản giao hưởng là Giovanni Pierluigi da Palestrina, người có nhạc mà “cô gái trẻ” Sibelius đã nghiên cứu.

 

Bản ghi âm thương mại đầu tiên của Bản giao hưởng No.6 được thực hiện bởi Georg Schnéevoigt với Dàn nhạc Quốc gia Phần Lan vào ngày 8 tháng 6 năm 1934 cho Hiệp hội Sibelius của HMV.

 

SIBELIUS - BẢN GIAO HƯỞNG No.7

 

Bản giao hưởng No.7 Đô trưởng Op. 105 là một bản giao hưởng 1 chương, trái ngược với công thức giao hưởng tiêu chuẩn 4 chương. Nó đã được mô tả là “hoàn toàn nguyên bản về hình thức, tinh tế trong việc xử lý tempo, độc đáo trong việc xử lý điệu thức và hoàn toàn tự nhiên trong tăng trưởng” và “Thành tựu sáng tác đáng chú ý nhất của Sibelius”.

 

Sau khi Sibelius hoàn thành tác phẩm của mình ngày 2 tháng 3 năm 1924, tác phẩm đã được công diễn tại Stockholm vào ngày 24 tháng 3 với tên Fantasia sinfonica số 1, một “ảo mộng giao hưởng”. Nhà soạn nhạc dường như chưa quyết định nên đặt tên cho tác phẩm là gì, và chỉ cấp cho nó trạng thái như một bản giao hưởng sau khi cân nhắc. Đối với công bố vào ngày 25 tháng 2 năm 1925, bản nhạc có tiêu đề “Bản giao hưởng số 7 (một chương)”.

 

1.Adagio (nhịp 1 - 92)

2.Un pochett. meno adagio - poco affrett. - Poco a poco affrettando il Tempo al ... Vivacissimo - rallentando al ... (nhịp 93 – 221)

3. Adagio - Poco a poco meno lento al ... (nhịp 222 - 257)

4. Allegro molto moderato - Un pochett. affrettando (nhịp 258 - 285)

5. Allegro moderato - Poco un poco meno moderato (nhịp 286 – 408)

6. Vivace (nhịp 409 - 448)

7. Presto - Poco a poco rallentando al ... (nhịp 449 - 485)

8. Adagio (nhịp 476 - 495)

9. Largeamente molto - Affettuoso (nhịp 496 - 521)

10. Tempo I (nhịp 522 - 525)

 

Khái niệm về một bản giao hưởng một chương, liên tục là một bản giao hưởng mà Sibelius chỉ đạt được sau một quá trình thử nghiệm dài. Bản giao hưởng No.3 của ông, có từ năm 1907, có ba chương, một chương thứ tư trước đó đã được hợp nhất vào thứ ba. Kết quả cuối cùng đã đủ thành công để Sibelius sử dụng ý tưởng tương tự trong Bản giao hưởng No.5 của ông, hoàn thành vào năm 1915. Mặc dù lần đầu tiên ông nhắc đến bản No.7 xảy ra vào tháng 12 năm 1918, nguồn tài liệu của nó đã được bắt nguồn từ khoảng năm 1914, thời gian ông đang làm việc vào ngày thứ năm.

 

Năm 1918, Sibelius đã mô tả các kế hoạch của mình cho bản giao hưởng No.7 liên quan đến “niềm vui sống và sức sống với các phần appassionato”. Bản giao hưởng sẽ có ba chương. Cuối cùng là một bản “Hellenic rondo”. Những bản phác thảo còn sót lại từ đầu những năm 1920 cho thấy nhà soạn nhạc đang thực hiện một tác phẩm gồm bốn, chứ không phải ba, chương. Khóa biểu tổng thể dường như là Sol thứ, trong khi chương 2 là một Adagio Đô trưởng đã cung cấp nhiều chất liệu cho các chủ đề cuối cùng tạo nên Giao hưởng. Bản thảo đầu tiên còn sót lại của một bản giao hưởng một chương có từ năm 1923, cho thấy Sibelius có thể đã đưa ra quyết định phân phối với một tác phẩm nhiều chương tại thời điểm này. Cho đến mùa hè năm 1923, nhà soạn nhạc đã tạo ra một số bản nháp nữa, ít nhất một trong số đó ở trạng thái có thể biểu diễn được: tuy nhiên phần kết thúc của bản giao hưởng vẫn chưa hoàn thành.

 

Khi 1923 chuyển sang 1924, Sibelius bị phân tâm khỏi tác phẩm giao hưởng bởi một số sự kiện bên ngoài: giải thưởng tiền mặt lớn từ một tổ chức ở Helsinki, sinh nhật và sáng tác một số tác phẩm piano ngắn. Khi Sibelius trở lại với bản giao hưởng, nhà soạn nhạc đã uống rất nhiều rượu whisky. Sibelius tuyên bố uống là để giữ vững bàn tay khi anh ta viết trên bản thảo.

 

Cùng với Bản giao hưởng No.5 và No.6, No.7 là ngôi nhà cuối cùng của Sibelius cho chất liệu từ Kuutar, một bài thơ giao hưởng chưa bao giờ hoàn thành với tiêu đề gần như là “Nữ thần mặt trăng”. Công việc này đã giúp định hình những phần đầu tiên của No.7, những phần được tạo ra trong phần sáng tác của No.5 và No.6. Một trong những chủ đề từ Kuutar, được gọi là “Tähtölä” (“Nơi các ngôi sao ngự trị”), đã phát triển thành một phần của Adagio mở đầu.

 

Tầm quan trọng

 

Mặc dù bản giao hưởng dường như lần đầu tiên tồn tại ở dạng phôi thai trong Rê trưởng, cuối cùng nó đã đạt được âm chủ của Đô trưởng. Có một thời gian khi sáng tác trong Đô trưởng được coi là sẽ không có kết quả, nó “không có gì hơn để cung cấp cho âm nhạc”. Nhưng đáp lại bản giao hưởng này, nhà soạn nhạc người Anh Ralph Vaughan Williams nói rằng chỉ có Sibelius mới có thể tạo ra âm thanh trong Đô trưởng hoàn toàn tươi mới. Peter Franklin gọi kết luận kịch tính của No.7 là “lễ kỷ niệm lớn nhất của điệu thức Đô trưởng từ trước đến nay”.

 

Sibelius sống 33 năm sau khi hoàn thành bảy bản giao hưởng, nhưng đó là một trong những tác phẩm cuối cùng mà ông sáng tác. Ông đã hoàn thành một tác phẩm trong dàn nhạc quan trọng hơn, bài giao hưởng thơ Tapiola. Tuy nhiên, mặc dù có nhiều bằng chứng về tác phẩm của Bản giao hưởng số 8, người ta tin rằng Sibelius đã đốt bất cứ thứ gì ông viết. Ông rời khỏi vị trí No.7, đứng sang một bên để ra tuyên bố cuối cùng về hình thức giao hưởng.

 

Hình thức

 

Hình thức của bản giao hưởng No.7 ban đầu thật đáng kinh ngạc. Kể từ thời Joseph Haydn, một chương trong một bản giao hưởng thường được thống nhất bởi một nhịp độ xấp xỉ không đổi và sẽ đạt được sự đa dạng bằng cách sử dụng các chủ đề tương phản trong các điệu thức khác nhau. Sibelius biến kế hoạch này trên đầu của nó. Bản giao hưởng được thống nhất bởi điệu thức Đô (mọi nội dung quan trọng trong tác phẩm đều thuộc Đô trưởng hoặc Đô thứ), và sự đa dạng đạt được bằng nhịp độ thay đổi gần như liên tục cũng như bởi sự tương phản của chế độ, khớp nối và kết cấu. Sibelius đã làm một điều tương tự trong chương đầu tiên của Bản giao hưởng No.5, kết hợp các yếu tố của một phong trào đầu tiên của bản giao hưởng tiêu chuẩn với một scherzo nhanh hơn. Tuy nhiên, bản giao hưởng No.7 chứa nhiều loại rộng hơn trong một chương.

 

Bản giao hưởng No.7 viết cho: 2 flute (cả hai chuyển sang piccolo trong Adagio trung tâm); 2 oboe; 2 clarinet (B); 2 bassoon; 4 horn (F); 3 trumpet (B); 3 trombone; Timpani; dàn dây.

Gửi nhận xét

Đăng nhập hoặc đăng ký để gửi bình luận